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Autor: XPinyol

Invertir en arte, ¿es una buena idea?

Escrito por XPinyol en . Publicado en Blog.

¿Cómo invertir en arte? Cada vez son más los inversores que deciden invertir en el mercado de las obras de arte atraídos por las atractivas rentabilidades que pueden llegar a aportar estos activos alternativos. La pandemia ha puesto de relieve la resiliencia del mundo del arte; ahora bien, ¿es una buena idea invertir en arte? ¿Qué ventajas conlleva respecto a otros activos y por qué es un buen momento hacerlo ahora?

¿El arte como producto financiero?

En el mundo financiero el big data y los índices financieros están a la orden del día y parece que también han llegado al mundo de la inversión en arte. Veamos cómo y para ello contamos con la colaboración de dos grandes profesionales: Xavier Olivella, CEO de ArtsGain Investments SGEIC, y el profesor Argimiro Arratia, investigador en finanzas computacionales de la UPC y colaborador de ArtsGain.

No sólo para grandes patrimonios

El 61% de las grandes fortunas invierten entre un 11% y un 50% de su patrimonio en arte. Cierto es que lo disfrutan en privado o en museos de sus propias fundaciones pero más del 78% de dichos coleccionistas lo aprecian también como inversión.

Ahora esta opción ha llegado también al inversor profesional español con ArtsGain. La primera gestora de fondos de inversión autorizada por la CNMV dedicada en exclusiva al arte y que transforma la inversión artística en inversión financiera.

Los fondos de inversión en arte respecto a la inversión individual en arte permiten diversificar la inversión al no concentrarse el riesgo en unos pocos cuadros, artistas o estilos. Diversos fondos de inversión en la anterior década consiguieron rentabilidades de entre 7,5% y 28% anual. Gracias a dicha diversificación y a focalizarse en grandes obras y artistas de reconocido prestigio.

El futuro ya está aquí: inteligencia artificial y algoritmos para el arte

Si comparamos la evolución del arte con el sector financiero, vemos una gran descorrelación entre sus ciclos. Además, el arte para los 100 artistas top se rige por el índice Artprice100 que consiguió un 13,4% de rentabilidad anual desde el año 2000 antes de la pandemia, superando en 2,5 veces el índice norteamericano SP500. Artprice es una empresa francesa dedicada a datos del arte que cotiza en Euronext París.

Existe el supuesto matemático que el precio de una obra de arte es una función de un conjunto de características cualitativas de la obra (tamaño, estilo, año de creación, etc) que pueden ser numéricamente cuantificables. Esto es lo que se conoce en econometría como un modelo hedónico que también podemos extrapolar al arte.

El precio y la reputación del artista son piezas clave para determinar el valor del arte. Para contemplar ambos se utilizan dichas características con métodos de cálculo basados en “inteligencia artificial” y en la aplicación de redes neuronales para “aprender” de los datos del big data del mercado del arte. De esta forma, el algoritmo puede construir un índice hedónico de la cartera de inversión del fondo que muestra su evolución temporal y permite a la gestora dar regularmente un valor liquidativo al inversor.

Aplicaciones del Big Data como herramientas en la inversión en arte

Seguramente todos nosotros hemos pensado que los artistas cuando fallecen se aprecia su valor de mercado, pero… ¿podríamos cuantificar dicho valor? Gracias al Big Data la gestora ArtsGain ha podido hacerlo. Analizando 36 renombrados artistas, entre ellos Antoni Tapies, de entre los top 500 del mercado, que fallecieron entre 2000 y 2017, se extrapola la revaloración de sus obras en un 159% tres años tras su muerte incluyendo récords de subastas y de un 106% sin ellas mientras que Artprice sólo aumentó un 30%.

Otro significativo ejemplo de Big Data es el conocimiento a través de datos físicos de objetos de arte que la startup Arius ofrece a coleccionistas y fondos. Ya que registra la superficie de pinturas que revelan detalles de conservación y restauración que son invisibles al ojo humano.

Recurrir al arte durante la pandemia

El mercado del arte se comporta distinto durante épocas de crisis, demostrado empíricamente en la última del 2008 con una menor volatilidad que las finanzas y corroborado ahora con la pandemia. Si bien es cierto que en 2020 el mercado del arte ha disminuido en volumen global un 22% según datos de Arts Economics, el mercado online ha crecido de 6 a 12,4 B$ y las ventas en obras de más de 100.000$ se han incrementado un 10%. Estos datos corroboran la existencia actual de grandes oportunidades de compra con descuento sobre el precio de mercado que sólo pueden acometerse con inversiones colectivas para acceder a obras de calidad y de reconocido prestigio que de forma individual es más dificil conseguir.

Además, la existencia de una pandemia ha provocado desarrollar más rápidamente nuevas tendencias como la eclosión del mercado digital del arte con los llamados NFTs. Permite a nuevas generaciones acceder al arte de forma distinta a la tradicional y más cercana a su trayectoria digital.

Y otra tendencia relacionada ha sido el incremento del arte exterior. Es decir, la escultura que alcanzó un incremento del 12% gracias a que debemos salir más afuera y a la creación de nuevos materiales adecuados para el exterior.

Fuente: Rankia

La valoración de obras de arte

Escrito por XPinyol en . Publicado en Blog, Fotografias Obra de Arte.

La fotografía de Andreas Gursky, titulada Rhein II, se ha convertido recientemente en la fotografía más cara de la historia al venderse en una subasta por un precio de 3,2 millones de euros. ¿Qué factores intervienen a la hora de estimar el valor económico de las obras de arte? ¿Es una ciencia exacta o simplemente se basa en lo que el comprador quiere pagar por ella?

Obras de arte y comercio del arte

En el comercio del arte, para determinar el precio final de una obra, se tienen presentes aspectos diversos tales como la antigüedad de la obra, su exposición en museos, su autenticidad, el periodo, estilo, el autor y la calidad técnica, entre otros. Pero ¿quiere esto decir que dos obras pertenecientes a un mismo estilo artístico o autor tienen el mismo valor? La respuesta es no.

El caso Gauguin

Ponemos de ejemplo a Henri Paul Gauguin, pintor francés cuya obra obra es considerada una de las más importantes del siglo XIX. A comienzos de 2011, su cuadro “La esperanza”, pintado como tributo a Van Gogh, se subastó en Christie’s con un precio de salida de 12 millones de euros. Finalmente, el cuadro no se vendió a pesar de las grandes expectativas que había creado antes de la subasta.

Sin embargo, otra obra de Gauguin  llamada «La mañana» y perteneciente al mismo periodo artístico que «La esperanza», fue vendida por 26 millones de euros en otra subasta celebrada en Sotheby’s años antes.

Características que influyen en la valoración económica de una obra:

  • Antigüedad de la obra o fecha de creación de la misma.
  • Historicidad o valor cultural y social asociado al objeto.
  • Unicidad de la obra, ¿hay más de una copia en el mercado?
  • Técnica utilizada para la realización.
  • Materiales con los que se ha creado la obra.
  • Estado de conservación. ¿Está restaurada la obra?
  • Validación y reconocimiento de la pieza mediante la firma del autor.
  • El autor y la escuela o movimiento al que pertenece.
  • Críticas que tasadores o expertos del sector hagan de la obra.
  • Previsiones, ¿puede revalorizarse o depreciarse la obra en el futuro?

Si aplicamos estos puntos a la fotografía de Gursky que aparece al comienzo del artículo sacamos unas conclusiones que argumentan el alto precio pagado por la pieza:

  • La fotografía es única, formando parte de una serie de 6 fotografías, cuatro de ellas expuestas en Nueva York (MoMA), Londres (Tate Modern), Alemania (Museo de Arte Moderno de Munich) y en EE.UU, Maryland (Galería Glenstone en Potomac).
  • Fue realizada en 1999 y está montada sobre una superficie de plexiglás.
  • Según la casa Christie’s la fotografía es considerada una obra maestra.
  • Gursky fue alumno de Hilla y Bernd Becher, padres de la fotografía contemporánea.
  • Actualmente Gursky es considerado el fotógrafo más cotizado del mundo ya que sus obras no paran de revalorizarse desde los años 80.

Estos son algunos de los factores que han hecho que finalmente se haya pagado por la fotografía una cantidad total de 3,2 millones de euros.

Fuente: tinsa

Invertir por amor al arte… y a la rentabilidad que ofrecen las obras

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Por amor al arte. Ésta es la mejor forma de iniciarse en el mundillo como inversor en arte. En esa línea argumental coinciden diferentes expertos, que aconsejan dar el salto a las inversiones en arte como un hobby, por el deleite estético, por la conexión del comprador con la obra. Después, con un conocimiento más profundo del sector o con el asesoramiento más adecuado, vendrá la perspectiva de la rentabilidad, la posibilidad de obtener beneficios.

Dicho lo cual, si nos atenemos sólo a la óptica del rendimiento económico, ¿es buena idea invertir en arte? ¿A cuánto pueden ascender las ganancias en este ámbito? ¿Es un mercado reservado para las élites económicas o también hay espacio en él para finanzas más modestas?

Invertir en arte, ¿sólo para ricos?

Resolviendo el último interrogante, en opinión de los especialistas consultados, que adquirir obras artísticas se encuentre restringido únicamente a las personas adineradas es sencillamente un tópico, un estereotipo.

«Es una creencia generalizada que en las subastas, por ejemplo, sólo hay obras carísimas. En Ansorena celebramos subastas todos los meses y, por supuesto, se presentan obras con precios elevados, pero también es posible comprar paisajes de una escuela flamenca del siglo XVII desde 2.500 euros, un mueble del XVIII por 600 euros -en el apartado de artes decorativas- o un grabado de Tàpies desde 300 euros», enumera Belén Puente, directora de Comunicación en la citada casa de subastas.

¿Con cuánto se puede arrancar al invertir en arte?

Si estás pensando en apostar por el arte, quizá te tire para atrás la posibilidad de que no esté al alcance de tu bolsillo. Pues bien, la mencionada portavoz de Ansorena cuantifica un mínimo para echar a andar en este mercado que resulta asequible para numerosas economías particulares. «Podemos comprar una obra en subasta desde 200 euros», afirma con rotundidad.

«Quien consulte un catálogo podrá comprobar por sí mismo que hay una amplísima horquilla de precios. Eso sí, es necesario llevar a cabo una labor previa de búsqueda», completa.

La rentabilidad de invertir en arte

Los porcentajes de rendimiento que pueden lograrse en este mercado son variables, es decir, que carecen de rigidez y no están garantizados. Como en cualquier otro caso, la inversión con riesgo cero no existe, aunque sí debemos tener en cuenta que hay todo un espectro de productos de inversión según el perfil de riesgo.

Invertir en arte, mejor a largo plazo

El tiempo es tu aliado si decides apostar por bienes artísticos. Así lo constatan desde la sala de subastas Balclis: «Si en algo están de acuerdo los expertos en subastas de arte, es que el índice que están teniendo últimamente las obras de arte es mayor a las pérdidas que puedan causar con el paso de los años». Esa aseveración se apoya en cierta medida en tres trabajos de sobra conocidos en el mundo del arte, cuyos autores se atrevieron a dar cifras de beneficios.

  • Así, desde el área de asesoría artística de Citibank indican que el mercado del arte creció un 13,7% a escala global entre 2000 y principios de 2019.
  • Por su parte, en Art Market Research calculan que, en la última década, las obras de arte contemporáneas se revalorizaron un 12,4%.
  • Prueba de que el valor de inversión del arte perdura es la estadística que coloca al índice de los 100 artistas más rentables con un 8% de crecimiento en los últimos ocho años, mientras que el S&P500 se elevó sólo un 3%, según el Informe arte y finanzas 2019 elaborado por Deloitte.

En ese sentido, «hay nombres, como por ejemplo Sorolla, que desde finales desde el XIX y principios del XX son valores seguros, sus obras son siempre respaldadas por los coleccionistas tanto nacionales como internacionales», subraya Belén Puente.

Cómo dar los primeros pasos al invertir en arte

Números aparte, al igual que en otros sectores, siempre aparece en el horizonte cómo decidir sobre una inversión y acertar con ella. Aunque, como es lógico, dependerá del perfil del inversor. En lo que se refiere al arte -ya se apuntaba en las primeras líneas-, resulta aconsejable comenzar tomándolo como una afición. Se trata de adquirir obras que nos apasionen y con las que deseemos convivir, contando con el asesoramiento adecuado y de confianza mientras ganamos en conocimiento y criterio propio.

La directora de Comunicación de Ansorena agrega que es básico «acudir siempre a lugares dirigidos por profesionales de prestigio, a los que les avale una trayectoria de éxito y que, por supuesto, conozcan el mercado del arte, ya sean salas de subastas, galerías o anticuarios». Además, resulta sencillo, directo y rápido consultar en Internet los catálogos de las diferentes empresas o entidades que operan en este sector.

De forma más concreta, Belén Puente señala algunas piezas que pueden ser recomendables para iniciarse: «La obra gráfica de autores relevantes contemporáneos, como Tàpies, Barceló o Chillida».

Con todo, una de las claves para evitar cometer el error más habitual del inversor neófito es no dejarse llevar por las modas o el boom de un determinado momento, sino optar por artistas consolidados y que logren un cierto consenso en el mercado, así como contar asesoramiento profesional.

Fuente: businessinsider

Qué negocios puedes montar en el mundo del arte

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El acceso al mercado del arte de los consumidores más jóvenes está impulsando las ventas online, un canal que pueden aprovechar pequeños negocios para entrar en este exclusivo mercado

La compra de arte crece cada año gracias a Internet. En 2016 lo hizo un 15%, según el estudio Mercado de Arte Online 2017, de la aseguradora Hiscox. El negocio online mueve ya 3.330 millones de euros, representa el 8,4% del total del mercado de arte y aunque una buena parte se queda en manos de las grandes firmas como Sotheby’s, Chiristie’s o Heritage Auction (representan el 19% del total de las ventas online) surgen también oportunidades para llegar a los nuevos consumidores que se acercan al mercado del arte.

“Existe una gran cantidad de potenciales nuevos clientes que han encontradouna nueva vía para adquirir arte. Estos clientes, amantes del arte en mayor o menor medida, seguirán acudiendo a ferias y visitando galerías y casas de subasta, pero a la hora de adquirir sus obras y de hacer crecer su colección ya no lo harán necesariamente en el espacio físico tradicional”, explica Gonzalo de la Puente, director del área de Arte y Clientes Privados de Hiscox Spain.

Ideas para emprender

De hecho, los millennials tienen mucho que ver con el auge del comercio electrónico de arte: el 22% prefiere la compra online y adquieren artículos de poco valor. El 79% nunca gasta más de 4.500 euros y otro 71% no supera los 888 euros. Adquieren, sobre todo, impresiones (75%), pinturas (72%) y fotografías (57%). “Existe una doble oportunidad para emprender en este ámbito, para los actores tradicionales, ampliando su mercado desde el espacio físico y local al virtual y global. Y otra para los nuevos jugadores que prescindan de ese espacio físico y apuesten directamente por el comercio de arte online. Negocios como Wecollect, que aúna una serie de servicios vinculados al arte en una única plataforma o como Artsy, que es una plataforma dirigida principalmente a las galerías y que ha celebrado varias subastas online”, añade Gonzalo de la Puente.

El informe apunta también otras debilidades del sector que pueden ser fuente de oportunidad, como la necesidad de mejorar la logística en cuanto al cumplimiento de los plazos de entrega. O las soluciones que ayuden a paliar los miedos del consumidor online, como que la obra no se corresponda con lo que esperan (80%), que no esté en buen estado (77%) o que se trate de una falsificación (58%).

También las acciones de marketing en redes para estas empresas. Por cierto, que la preferida para vender arte es Instagram. Por encima de Facebook. El 57% de las galerías afirman que es la red más eficaz para hacer marketing.

Fuente: emprendedores.es

Arte digital: el nuevo negocio que puede ser muy lucrativo

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La pandemia y el desarrollo de las tecnologías están impulsando el crecimiento del arte digital, un nuevo formato que ha entrado en el sector pisando fuerte

Casi todos los productos y servicios cuentan con un componente tecnológico en la sociedad de 2021. En el ámbito de la cultura, todos escuchamos nuestra música favorita en Spotify, o leemos el último libro a través de un ebook. Y, ahora, también podemos disfrutar del arte digital en nuestras casas.

Y, como en muchos sectores, este arte digital tiene al blockchain como uno de los principales exponentes. Algunos artistas están realizando las transacciones por sus obras utilizando un sistema de seguridad que tiene muchas similitudes con bitcoin, la criptomoneda más icónica del mercado, que ha experimentado un crecimiento sobresaliente durante el último año.

Esta fórmula está permitiendo a los coleccionistas comprobar que poseen una obra de arte digital única en el mundo. Además, el carácter rastreable del blockchain permite saber, en un largo periodo de tiempo, cuál es el valor actual de la obra y cómo ha ido cambiando a lo largo del tiempo, además de un registro de la propiedad más exhaustivo.

Por otro lado, esta tecnología cobra especial importancia en el arte digital. A veces, las obras que no tienen un soporte físico pueden ser objeto de copias y falsificaciones. A través de la encriptación, el coleccionista podrá comprobar en el momento si la representación que está comprando es la original o una réplica.

Pero, dejando de lado al blockchain, existen otros emprendedores que están triunfando vendiendo arte digital desde sus casas. Por ejemplo, ofreciendo diseños para camisetas, tazas o ilustraciones, que el comprador recibe en su correo electrónico para después encargarse de la impresión. En el caso de otros creadores, sus tiendas online permiten la compra directa de este tipo de productos.

El arte digital llega a las casas de subastas

La proliferación del arte digital no ha pasado inadvertida para los museos y las casas de subastas. La llegada de la pandemia paralizó por completo este sector durante la primera mitad de 2020, pero las nuevas tecnologías están permitiendo recuperar el ritmo en la compra-venta de arte un año después del primer confinamiento.

“Realizamos más de 200 subastas online, con un aumento del 261% respecto al año anterior, haciendo también récord en ventas –313 millones de dólares– por este canal”, explica María García Yelo, delegada de la casa de subastas Christie’s en España, en una reciente entrevista en Cinco Días.

En este sentido, García Yelo enumera las iniciativas que han acercado a un mercado tradicional al arte digital: “la fotografía en superzoom, los vídeos en 360 grados, el enriquecimiento del contenido complementario sobre obras y autores; facilitar la puja online en todas las ventas y categorías, las exposiciones a través de nuestra web, adaptar el calendario a las distintas circunstancias… Han posibilitado que los clientes pudieran conocer las obras en las mejores condiciones posibles y su reacción ha excedido nuestras expectativas”.

La suma de los museos y las casas de apuestas al arte digital son una buena muestra de otro sector que necesita la tecnología para seguir vivo. Aunque, como hace varios siglos, lo importante aquí es lo que las obras cuenten al público.

Fuente: Emprendedores

El Prado ve “razones fundadas” para atribuir el ‘ecce homo’ a Caravaggio

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“Existen fundadas razones formales y documentales para considerar que es probablemente obra original de Michelangelo Merisi di Caravaggio”. Esta es la conclusión que aparece en el informe que el Museo del Prado envió al Ministerio de Cultura y a la Comunidad de Madrid, extractado en la resolución publicada este miércoles en el boletín oficial de la administración regional, por la que el supuesto caravaggio, en un principio atribuido al círculo del pintor José Ribera, ya es Bien de Interés Cultural (BIC). Es decir, la pintura, en posesión de Ansorena, que iba a ser subastada con un precio de salida de 1.500 euros, no solo no se podrá exportar —como ordenó Cultura horas antes de que fuera vendida—, sino que a partir de este miércoles queda protegida de manera oficial por la Dirección General de Patrimonio de Madrid que el pasado viernes ya había tramitado la protección legal. La Comunidad sigue a la espera de que la casa de subastas le entregue la información sobre los propietarios de la pieza y se concrete una visita para poder valorarla. Ansorena tiene un plazo de 10 días desde el pasado lunes para responder.

En la resolución del boletín oficial de la Comunidad de Madrid aparece un resumen del informe del Prado en el que se describe de manera pormenorizada el cuadro. “La imagen parece corresponder iconográficamente, más que a la coronación de espinas [el título con el que se ofertó en el catálago de Ansorena], a la expresión barroca del Ecce Homo, Ostentatio Christi o presentación de Cristo al pueblo por Pilatos narrada en el Evangelio según San Juan, un tema iconográfico paradigmático en la expresión de los valores de la Contrarreforma, contexto histórico en el que se inserta”, se lee en la resolución. Un detalle que refuerza la idea de que no solo se trató de un posible error de atribución, sino que durante el proceso de tasación y valoración del cuadro también hubo fallos en la descripción de la temática del cuadro. En el documento del Prado recogido por la Comunidad de Madrid se describe de manera pormenorizada la escena del cuadro protagonizada por “un Jesucristo doliente”, Pilatos y “un personaje (probablemente un soldado, si bien en la imagen y debido a la suciedad que presenta la obra no se aprecian bien sus características) que va a colocar sobre sus hombros un manto púrpura”.

En la documentación que el museo elaboró durante varias semanas, según pudo saber EL PAÍS por fuentes conocedoras del proceso, se plantea que “esta pintura podría estar relacionada con el coleccionismo de los virreyes de Nápoles del siglo XVII”. Es decir, no con el círculo del pintor Ribera, como aparece en el catálogo de Ansorena. La pinacoteca plantea que el cuadro puede corresponder a la época (siglo XVII) en que obras de Caravaggio formaron parte de “la colección del secretario de la corte de Nápoles don Juan de Lezcano, la cual pasó sucesivamente a la del virrey conde de Castrillo, con la que habría llegado a Madrid”.

Según varios especialistas, como la experta en el pintor italiano del Barroco Maria Cristina Terzaghi contó a este diario, en el inventario de Lezcano había “un ecce homo con Pilato que lo muestra al pueblo, y un sayón que le viste de detrás la veste purpúrea”. Esos son los personajes que aparecen en la pieza que iba a subastar Ansorena. En la colección de Castrillo había “un Heccehomo de zinco [sic] palmos con marco de evano [sic] con un soldado y Pilatos que le enseña al Pueblo y es original de Micael Angel Caravacho (conforme a publicaciones de Antonio Vannugli en 2009 y Belén Bartolomé en 1994)”, según el informe del Prado. Estos datos permiten al museo concluir que “según la obra de Vannugli, la pintura citada en las fuentes no correspondería al Ecce Homo atribuido a Caravaggio que se conserva en la actualidad en el museo de Palazzo Bianco de Génova con número de inventario PB 1638″. De esta manera, el museo añade una nueva incógnita a una pieza que, en las propias palabras de la institución, “presenta una controversia tanto por su autoría como por su procedencia”, desde hace años.

La verificación

La Comunidad de Madrid ha iniciado el procedimiento para determinar la autoría del cuadro. Cultura solicitó al Gobierno regional este lunes que permita al Museo del Prado analizar la obra. La región anunció que “prevé colaborar” con la pinacoteca y, además, una vez conozca la identidad de los dueños del cuadro y su residencia, solicitará al Prado que elija personal técnico cualificado para que participe en la visita presencial que deberá realizarse en la segunda quincena del mes de abril, una vez Ansorena comunique detalles de la propiedad.

“En el caso de que el bien objeto de declaración no fuera finalmente obra de Caravaggio, existe acuerdo entre los especialistas en la materia en que la pintura, de alta calidad, respondería con seguridad a uno de sus más inmediatos seguidores”, se lee en la resolución de la Comunidad de Madrid que deja clara la relevancia de la pieza. “No existen dudas de que la pintura constituye un magnífico testimonio del primer naturalismo italiano, una escuela que ejerció una gran influencia en todo el arte europeo. La técnica estilística, el protagonismo de los primeros planos de los personajes, el realismo de modelos humanos, el contraste lumínico y la sobriedad compositiva configuran la obra como un exponente de gran interés de la pintura italiana naturalista del siglo XVII”, concluye el boletín oficial.

Fuente: El País

Christie’s vende el 100% de la colección del exasistente de Man Ray, pese a las acusaciones de robo

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El Man Ray Trust, la entidad que vela por el legado del artista, denunció que la venta que tuvo lugar ayer en la sala Christie’s de París de arte surrealista de la colección de Lucien Treillard, exasistente de Man Ray, contiene piezas robadas, según publica ArtNet. La subasta incluía 188 obras (objetos, ensamblajes, fotografías, libros, manuscritos, cartas y litografías) no sólo de Man Ray, sino también de otros destacados artistas surrealistas. Entre los lotes, algunos autorretratos de Man Ray y retratos que hizo a celebridades, musas, colegas y amigos como Duchamp, Tristan Tzara, Jean Cocteau, Breton, Lee Miller, Artaud, Braque, Picasso, Dalí y Gala, Miró, Buñuel, Meret Oppenheim, Kiki de Montparnasse, Gertrude Stein, Braque, Derain, Brancusi, Giacometti, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Calder, Nusch y Paul Eluard… Pero también incluye correspondencia personal de Man Ray y obras de arte de Marcel Duchamp y Max Ernst. Lucien Treillard murió en 2003 y las obras fueron heredadas por su viuda, Edmonde. Se vendió el cien por cien de los lotes. La venta total ascendió a 5.933.875 euros, superando ampliamente la estimación previa: entre 1,8 y 2,6 millones de euros. Hubo pujas de 23 países a través de internet, por teléfono y presencialmente en sala.

El Man Ray Trust afirmaba en un comunicado que hay razones de peso para creer que Lucien Treillard robó una cantidad sustancial de obras y posesiones de Man Ray inmediatamente después de su muerte. Así, de las 188 obras que salieron a subasta, creían que 148 no deberían haberlo hecho. También alegó que Christie’s no tenía permisos de derechos de autor para las imágenes de las obras que ha vendido. Según Steven Manford, un historiador del arte contratado por el Trust para revisar la venta, la catalogación y los ensayos realizados previos a la subasta «no cumplen con los estándares de Christie’s». Aunque el fideicomiso solicitó que se pospusiera la venta e intentó llegar a un acuerdo con la casa de subastas en las semanas previas, Christie’s siguió adelante con la subasta.

Christie’s se defiende

Fuentes de Christie’s dicen a ABC que «como el fideicomiso nunca proporcionó pruebas concretas de sus acusaciones, la venta tuvo lugar ayer. En cuanto a nuestra diligencia en la preparación de esta venta, trabajamos en estrecha colaboración con el Comité Man Ray y Emmanuelle de l’Ecotais, especialista independiente en obras de Man Ray, reconocida internacionalmente».

Los responsables de Christie’s dicen que esta firma «mantiene su liderazgo en el campo de la fotografía y nuestra posición de venta de las obras de arte de Man Ray se ha reforzado. Nos complace que los coleccionistas internacionales y las principales instituciones rindieran un homenaje final al increíble compromiso de Lucien Treillard de que el trabajo de Man Ray sea reconocido en todo el mundo. Siguiendo el récord establecido en 2017 para la fotografía de Man Ray ‘Negro y blanco’ (1926), vendida por 2,6 millones de euros, estamos encantados de haber logrado el 100% de los lotes vendidos». Según Elodie Morel-Bazin, directora del Departamento de Fotografía de Christie’s, «estamos muy orgullosos de estos excelentes resultados obtenidos para la fantástica colección de Lucien y Edmonde Treillard. Ha sido una gran oportunidad tener acceso a estos valiosos archivos».

La sombra de la sospecha siempre ha perseguido a Lucien Treillard, un profesor de historia que fue asistente a tiempo parcial de Man Ray durante aproximadamente una década, hasta la muerte del artista en 1976. Según el Trust, Treillard produjo réplicas no autorizadas de obras de Man Ray a medida que aumentaba la demanda comercial, aprovechando el acceso que tenía a su estudio.

Richard Hamlin, miembro de la junta del Man Ray Trust y casado con Stephanie Browner, heredera de Man Ray, afirmó, según ArtNet, que la mayoría de las obras que salieron ayer a subasta deberían pertenecer a los herederos de Juliet Man Ray, la difunta esposa del artista. Si bien el Trust conoce desde hace mucho tiempo la práctica de Treillard de seguir reproduciendo material que adquirió del estudio de Man Ray en circunstancias poco claras, nunca ha interpuesto un recurso legal contra el exasistente. Según Hamlin, representantes del Man Ray Trust y su asesor legal se acercaron a Christie’s y pidieron a la firma que presentara documentación que autentificara las obras que iban a subastar. Hamlin alegó que Christie’s no proporcionó tales documentos.

Los lotes más cotizados

En la venta de ayer, el lote principal era una versión de ‘La Boite-en-valise’ de Marcel Duchamp (1963), que contiene 68 reproducciones de las obras del artista. Su precio estimado era de 200.000-300.000 euros. Se remató en 275.000 euros. Pero la obra más cotizada fue ‘Erotique voilée’ (una célebre fotografía de Man Ray), que se vendió por 312.500 euros. ‘Perpetual Motif’, uno de los objetos más célebres de Man Ray, fue adquirido por 106.000 euros y ‘La poire d’Erik Satie’ se vendió por 125.000 euros, tres veces su estimación. Una nota autógrafa anecdótica desencadenó una batalla de ofertas y finalmente fue adquirida por 47.500 euros, cuando su estimación era 400-600 euros. Se ofrecieron 96 fotografías. La mayoría de ellas se vendieron muy por encima de sus estimaciones. Un doble retrato humorístico de Marcel Duchamp, estudios para ‘Obligation pour la roulette de Monte Carlo’ (1924), se adquirió por 81.250 euros y un retrato de Lee Miller, por 65.000 euros. Las esculturas concebidas por Man Ray atrajeron el interés de los coleccionistas privados internacionales, logrando grandes resultados para ‘New York-1920» y ‘Le Torse Tournant’, ambas vendidas por 87.500 euros.

La de ayer fue la venta más grande dedicada al artista desde 2014, cuando Sotheby’s vendió alrededor de 400 lotes del Man Ray Trust por 3,7 millones de dólares. En 1995, tras un acuerdo con el Estado francés, los herederos de Juliet Man Ray vendieron 500 lotes del archivo de Man Ray en Sotheby’s por 6 millones de dólares.

Fuente: ABC

Cómo la pandemia ha cambiado el mercado de las galerías de arte

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Las ganancias por ferias de arte y recorridos presenciales fueron desplazadas por los ingresos a través de los sitios en línea y las redes sociales, detalla reporte global de Artsy 2021.

A casi un año de declarada la pandemia por la propagación de Covid-19 y, con ella, el impacto en gran parte de las actividades económicas, así como la dificultad del comercio presencial en la gran mayoría de los países, han cambiado las prácticas de compra-venta y marketing para gran parte de las industrias y el cierre presencial las instó a buscar oportunidades en línea.

En el mercado del arte, en particular el de las galerías, la vía digital era ya significativa antes de la emergencia sanitaria global, pero la migración de las estrategias a las plataformas virtuales en este año de incertidumbre ha sido pronunciada.

Por ejemplo, cuando en 2018 y 2019 se reportaba la presencia en el mercado de un 15% de galerías de arte en línea sin espacio físico alguno, en 2020 la presencia de este sector en el mercado llegó al 35%, es decir, se duplicaron los negocios de arte sin establecimientos a causa de las prolongadas restricciones físicas.

Estos son algunos datos recabados en el reporte Gallery Insights 2021, de Artsy, la plataforma con mayor presencia en el mundo para el acercamiento y la compra-venta de arte en línea. El reporte de este año se basa en la recolección de datos provistos por 1,758 marchantes de arte provenientes de 97 países clasificados para el estudio en cinco regiones: América Latina, Norteamérica, Asia/Oceanía, Europa y África/Medio Oriente.

Con dicha muestra, Artsy estima que 8% de las galerías en el mundo (unas 140) tuvieron que cerrar sus espacios físicos de manera permanente por los efectos colaterales de la pandemia. América Latina fue la región donde más cierres definitivos hubo: el 11% de los galeristas consultados de la región admitió no tener la solvencia económica para reabrir después de las medidas temporales de cierre en sus respectivos países.

“El porcentaje de grandes galerías (aquellas con siete o más empleados de tiempo completo) se mantuvieron sin cambios desde 2019, pero las galerías medianas (de dos a seis empleados) descendieron 6%. Asimismo, el número de pequeñas galerías (con solamente un empleado) se duplicaron en relación con el año pasado. Este incremento posiblemente es el resultado de los despidos y la reducción de tamaño de las galerías medianas”, señala el reporte.

Las principales vías de ingresos han cambiado

La información arriba detallada generó otro de los datos destacables del estudio: el reordenamiento de las canales de ingresos para las galerías.

En comparativa con el 2019, mientras que las compras de clientes habituales se mantuvieron en el primer lugar, las ventas generadas por los recorridos presenciales fueron desplazadas del segundo lugar por los ingresos a través de sitios en línea. Los recorridos descendieron al cuarto peldaño.

La presencia de las galerías en ferias de arte ocupaba el tercer sitio en ingresos, sin embargo, en el 2020 fueron la parte más afectada del mercado. Después de los efectos de la pandemia y la imposibilidad de los encuentros de tal magnitud, las redes sociales ocuparon el tercer sitio y las ferias quedaron relegadas al sexto peldaño.

“A pesar de que era predecible que la industria vería una reducción de las ventas en ferias en el año, el incremento de las ventas a través de las redes sociales era inesperado. El presupuesto promedio para el marketing de las galerías a través de las redes sociales incrementó 92% comparado con el 2019”, indica el estudio.

En el sexto lugar de ingresos para las galerías se mantuvieron aquellos provenientes de los mercados de arte en línea, como la propia página de Artsy. En el último escalafón se mantuvieron las ganancias provenientes de la intermediación de los asesores de arte.

La estadística seguirá cambiando

Al menos la primera mitad de 2021 tampoco luce prometedora para las ferias. La semana pasada la serie de ferias más importantes de arte moderno y contemporáneo en el mundo, Art Basel, anunció que retrasaría de junio a septiembre la realización de su encuentro matriz, en Suiza, excusando múltiples incertidumbres en el primer semestre por el inicio de las campañas de vacunación en la gran mayoría de los países.

Fuente: El Economista